艺术品投资回报的最佳持有期为20年

（导读：藏家也好，单纯艺术品投资客也好，都应该对自己的选择抱持不可动摇的信心，最佳持有期是20到30年。因为尽管市场极不稳定，持续专注的收藏会使其超过市场的一般行情。）

艺术品，越来越从挂在家里或博物馆内的展示品或是偷偷珍藏的心头好变成一种理财产品，在很多家族、企业与个人的财富配置中，艺术品也成为多样化投资组合的一个选项。

艺术品投资回报呈下降趋势

金融分析师估算称，过去40年中，艺术品基金的年收益率约为10%。艺术品作为优质投资手段在过去10年表现的尤为显著。从2005年到2008 年，艺术品投资取得了无法想象的成功。2009年，道琼斯指数跌至1997年以来的最低点，而在佳士得巴黎的拍卖行，Yves St Laurent的藏品以3.33亿英镑的价格售出。马蒂斯、蒙德里安、毕加索、布朗库西和杜尚的作品最高卖到3900万美元，高出估价3倍。

再远一点，事实上，从1850年起，艺术品就开始更多地被作为投资看待。对于维多利亚时期的人而言，有时候，艺术品只要有金钱价值就够了。

不过，卢森堡大学金融学院的一项最新分析表明，艺术品回报率已呈明显下降趋势。他们将这一研究结果发表在了《金融研究回顾杂志》（Review of Financial Studies）上。

此次研究中，经济学家们收集并回顾了近几十年来布卢安艺术品销售指数（Blouin ArtSales Index ）的数据，并对艺术品潜在收益和艺术品基金的风险投资进行了更准确的估量。该研究显示，艺术品作为一种资产，在1960至2013年间的投资回报率仅为6.3%。研究人员还发现，艺术品利润的预期被夸大，而其中的风险却被低估。

研究还显示，含有艺术基金的多样化投资组合与不含艺术基金的投资组合相比，并没有产生更多的利润。而艺术基金对于投资者来说，与股票等有价证券一样，同样是有风险的，尤其是对于散户投资者的风险较高。这种风险主要来自于拥有名贵艺术品所需要付出的较高成本和承担很大的投资风险，包括购买保险、自然 损坏、盗窃或伪造等，主导此次研究的卢森堡大学金融学教授在新闻发布会上表示，艺术品投资要承担的风险可不低。

买自己喜欢的还是别人喜欢的？

所以，在将艺术品作为资产配置的一部分之前，最好基于自己的喜好去购买艺术品，而不是期望很快获得经济回报——想要经济回报是理所应当，而前提是，你真的爱这个作品。如果你都不爱，那也不要指望它能升值——除非你根本不相信自己的眼光。

这句话是对藏家型艺术品投资者说的。不同的收藏目的，反映在对艺术品的购买方式上。刚刚过去的巴塞尔艺术博览会上，刘益谦一口气购入多件西方当代艺术作品，包括德国艺术家格哈德·里希特巨幅作品《930-7条纹》，“欧普艺术”重要代表人物、英国女性艺术家布里奇特·赖利新作；而去年11月，他以 1.7亿美元在纽约佳士得拍莫迪里阿尼的《侧卧的裸女》的事儿到现在还有人说起。

刘益谦真的喜欢这些艺术品？从他的收藏看，口味还真杂。不过，当你把他看作一个有盈利目的的机构时，就不难理解了。不仅为自己收藏，他的美术馆要经营运转，因此他收艺术品，要考虑知名度、话题性、关注度。这都是更加大众的审美，而不是个人化的。就像小说《福尔赛世家》中的索米斯在买下高更的一幅画时 念叨着，“难看的东西”，可他知道想要赚钱还是该买。

这次巴塞尔中国藏家的大手笔令主办方再次强调，要照顾好这些亚洲人；但与主办方立场不同，有西方媒体酸酸地说，西方藏家只买对的，中国富豪只买贵的。其实，这可不是中国富豪独有的。只不过，在艺术知识体系不够完备、审美和独立思考判断能力欠缺的前提下，即使贵，也未必买着好的。不过，《名利 场：1850年以来的艺术品市场》中就提醒道：“艺术品投资者注意，与股市相比，艺术品市场是一个相当小的市场，操纵很容易做到，并且，这些操纵可能完全合法。”

想想日本的例子，上世纪80年代日本使劲买毕沙罗、雷诺阿和西斯利的三流作品，西方艺术界极为不解这种粗鄙怪异的眼光。这种疯狂的投机行为在经济危机、丝满丑闻曝光后崩盘，而印象派与现代派市场也因为投机过度充满泡沫。

好品味依旧重要

不过，我们常常说的“二代”中热爱艺术的新藏家们，收藏态度反而呈现理性而智慧的趋势。

今年5月，佳士得纽约春拍和苏富比纽约春拍两天内，日本亿万富翁前泽友作眼睛都不眨就花了9800万美金（约合人民币6.5亿元）购买了包括让-米 歇尔-巴斯奎特的《无题》、理查德·普林斯的《逃跑的护士》，杰夫·昆斯的《龙虾》，亚历山大·考尔德的《Sumac 17》，以及布鲁斯·瑙曼的《Eat War》七件名家大作。他说：“当我在纽约佳士得的预览上看到这件巴斯奎特的绘画作品时，立即对它产生了一种本能的好感。从不同代人的角度来说，我更能将巴斯奎特的文化和他的生活经历与自己相联系起来。撇开金钱和投资的价值，我觉得我有种个人义务为下一代保管这件杰作。这件巴斯奎特曾经在1985年于东京 展出。对于日本来说，这有如一个艺术史上的重要时刻。能有机会珍藏这样一件精湛的画作，让我有一股发自内心的快乐，我非常荣幸能够拥有它。”他还表示，自己的当代艺术基金会每年两次向公众开放藏品展，他会在不久的将来与大众分享这件作品。显然，这位日本收藏家与上世纪80年代的疯狂购买者们截然不同。

同样，中国的“80后”藏家也表现出相似的特征。出生优渥，在艺术圈中也越来越有话语权，是这些“新资本”的所有者、或者所谓的“二代”们的特点，他们多半是当代艺术收藏家，不仅仅满足于购买与鉴赏，更多是参与公共平台的搭建，并乐于分享与传播，充当艺术的推手。收藏对他们来说，不仅仅是个人享受， 也是一种介入公共事务的姿态。

苏富比的弗兰克·赫尔曼就认为，藏家也好，单纯艺术品投资客也好，都应该对自己的选择抱持不可动摇的信心，最佳持有期是20到30年。因为尽管市场极不稳定，持续专注的收藏会使其超过市场的一般行情，长期投资的盈利高于短期收益。

想想要拿在手里那么久，还是喜爱并认同比较好吧。

关键词：好品味

投资油画的注意事项

自中俄两国加强艺术品民间交流以来，俄罗斯油画已经越来越深入人心，油画价格稳中有升，尤其在中国市场极为紧俏。俄罗斯油画这个外来的画种在中国的流传也不过百来年，至今还未形成一个比较一致的认同价值，因而人们认为俄罗斯油画有比较多的投资机会和比较大的升值空间。实际上，品读卖出价仅仅是一个方面，看一件作品能否升值，还要考虑许多方面的因素，将来升值的空间反而更大。其实，我们不妨将艺术品投资更多地作为一种艺术品消费行为，一种享受收藏和欣赏乐趣的行为。

怎样买到好作品是收藏者一直关心的问题，看看业内人士的买俄罗斯油画理论：

首先，投资俄罗斯油画必须喜欢油画，如果本身不喜欢油画，仅仅是为投资赚钱，那最好还是炒股票去，因为油画不能及时出手套现，所以这会很痛苦。

要买自己喜欢的画，就是首先要实现油画的消费价值，送“九字真经”供参考：“挂得出，送得出，卖得出。”就是：挂在家中令自己赏心;送给朋友，朋友开心;出手转让卖个好价皆大欢心。无论是投资收藏，还是居家装饰，还是朋友间礼尚往来，以及商务礼仪需要，油画都能派上用场。所以说，只要是画家的原创油画，几乎都同时具备消费与投资价值。在创作俄罗斯油画的消费和投资间并没有明确界线，始于消费，终于投资。纵观当今全球的投资潮流，艺术品投资风头正劲，长期回报稳中有升。当代艺术品投资已经发展成全系统、高回报的蓬勃事业。而俄罗斯油画更是受到越来越多收藏者的喜爱。2015年苏富比拍卖行和佳士得拍卖行的战绩领头羊均为俄罗斯油画，以其估价三倍的价钱成交。将来随着俄罗斯经济形势的好转，一些俄罗斯画廊及藏家一定会对一些俄罗斯名家的油画作品进行回购，相信不久的将来会迎来俄罗斯油画大众收藏热。

其二，要规避风险。

为规避风险，我们建议：

①初入油画市场及入行不深的投资者，应尽量避免购买一、二线当红画家的作品，因为这里正是赝品相对集中的地方;

②可以购买俄罗斯功勋画家的画作，市场总是要实现价值回归的，因为这是市场规律。

③要有一个好的买画渠道，所购画要出处明白。在购入时应要求画廊说明出售画的来源。一般组织较好的画廊都会提供附有画家本人签名的画册，照片之类“身份证件”，许多知名画家应该还有公开发行的画册，少数画廊还承诺无理由无损坏退换服务，这种投资就比较保险。

其三，由“小”入手，慎对大画。

俄罗斯的油画有着强烈的色彩风格，在俄罗斯民间艺术的滋养下，经过漫长的历史逐渐建立了自己独特的面貌。最具有民族特色的19世纪俄罗斯的现实主义美术，在许多方面吸收了意大利、法国等西欧学派的优点。后来的画家如叶列娜·科萨里科娃、季托夫·阿纳托利·米哈伊洛维奇等人有研究借鉴了法国印象主义，逐渐使本民族艺术传统与外来艺术融合在一起，把俄罗斯艺术推向一个新的高峰。我们认为：对一般投资者而言，失去了消费价值的油画是不值得投资的。

其四，不跟风，不装懂，不务虚名，不要“搏”。

我们始终认为：艺术品之所以有别于其它，就是因为这种产品是人类精神层面的，它应该是发自内心的，所以它是可以被欣赏并被理解的。艺术作品不是相对论，它与人之间应该是很容易沟通的。对你自己不能理解的作品就不要去跟风搏傻。普通投资者不是大户和专业机构，对大户和机构而言，即使收进的画有一半不能挣钱，另一半照样可以挣得欢天喜地。普通投资者没有这样的实力，所以不要以“搏一记”的心态去买自己明明看不懂的画。当然，除非你要买来挂在墙上研究琢磨这就另当别论了。

其五，要有良好的心态。

投资油画就要喜爱油画，购买、欣赏并收藏油画这个过程本身就是个享受的过程，如果几年后还能卖出个好价钱，何乐而不为呢?按照西方发达国家艺术品投资的一般规律，投资油画从购入到卖出往往需要十年以上的时间。而中国当今油画市场里面却有太多的短线炒作，这是一种浮躁肤浅的心态在作怪。我们认为对在世的画家特别是中青年画家，凡是短线炒作价格飙升很快的往往也包含着巨大的风险。如果一名三四十岁的画家的“抽象艺术”作品能在几年间被炒到几十万乃至几百万，想想他今后还要“创作”多少作品吧，读完小学四年级就能算清这笔帐。

还是一句老话

艺术品所以珍贵，是因为创作艺术品的艺术家是不能批量生产的，是因为艺术家也不能批量创作艺术品!

关键词：如何规避风险

怎样欣赏油画

油画在西方绘画艺术中占有重要的地位，几乎每一位绘画大师都是凭借其精美的油画作品耸立在艺术之林。而这些精美的作品在历史的长河中也如璀璨的明星，照亮了人类文明的历程。

如何欣赏油画?这是一个简单而深奥的问题。

首先，应该对油画的发展有一个大概的了解。

西方绘画的源头可以追溯到公元前三万年的史前时代。但产生巨大影响的，是从意大利的文艺复兴时期。意大利文艺复兴时期在经济和文化中心佛罗伦萨形成了一个重要的画派，这就是佛罗伦萨画派。他们以资产阶级人文主义思想为主导，把解剖学和透视学的成果应用到绘画上，把中世纪的平面装饰风格改变为集中透视，有明暗效果，表现三度空间的画法，这是一个巨大的革新。因此而产生了许多著名的画家。早期意大利文艺复兴时期最伟大的画家，无疑是山德罗?波提切利。他的作品富有诗意，充满曲线妙趣，著名作品有《春》、《维纳斯的诞生》等。

维纳斯的诞生

随着佛罗伦萨的没落，古老的佛罗伦萨画派的作坊中培养出的天才学徒纷纷投向罗马。达?芬奇是他们中最年长的一位，他的画注重展现人物内在的精神世界，没有了鲜明的轮廓。其气氛的灿烂和颤动，人物表情的生动形象，光润法再现人物肌肤的柔软性等使他至今都是艺术界崇拜的大师。拉斐尔能对传统题材作出新的完美的表述，他将每一个故事都描绘到了难以再作出任何修改的地步。米开朗基罗的画形象突出，他渴望达到力量的狂乱程度，这使他前辈的画家心驰神往。因此，达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗号称文艺复兴时期的“三杰”。

这个时期惟一发展自己风格的城市是威尼斯。乔尔乔涅、提香、丁托雷创造了充满激情、欢乐、色彩艳丽的威尼斯绘画风格，与三位大师充满理性的绘画形成鲜明对比。

文艺复兴时期意大利艺术家的伟大成就和发明，对阿尔卑斯山以北的民族产生了深刻的影响。丢勒和小汉斯?荷尔拜因是这个时期德国最伟大的画家。丢勒像达?芬奇一样对世界的各个方面都怀有浓厚的兴趣，日尔曼精神是他的艺术的中心主题。

埃尔格列柯是西班牙画坛第一位世界级大师。他的画充满神秘主义的气质，似乎在预示着欧洲画坛某种求变的冲动。

意大利作为欧洲画坛的中心统治了欧洲几百年，学院主义是她为欧洲画坛作出的最后一次贡献。卡拉奇兄弟创办的波仑亚学院，以“绝对理性”为宗旨，形成完整的美术教育体系。学院派是绝对的“古典风格”。

从17世纪开始，法国画坛开始崛起，并逐步成为统领欧洲绘画的主导力量。普桑以其古典主义风格成为这一时期法国最伟大的画家。18世纪初，由于法国国王路易十四的提倡，一种轻松的、感官的、享乐的罗可可风格在画坛成为主流，并对整个欧洲的绘画产生了重要影响。这一流派的主要代表人物是布歇。随着法国大革命的到来，新古典主义和浪漫主义开始兴起。新古典主义是革命政府用来表现自己政治理想的一种有效形式，而大革命的深入，对当代题材的需要日益迫切，原先占主导地位的古代题材自然慢慢退出画坛。19世纪30年代开始，写实主义开始出现，代表人物为库尔贝和米勒，尤其是庚斯勃罗的“抒情风景画”，清新、诗意、浪漫，令人过目不忘。

从1860年起，欧洲艺术开始了一个十分微妙的时期，许多新艺术开始出现。最令人瞩目，并对后来西方艺术的发展产生决定性影响的是法国的印象派及后印象派艺术。印象派的光和色给当时的画坛吹来一股清新空气，如果不了解西方当时的画坛概况，就不能了解印象派为什么有那么大的影响，也无法对印象派画家那种粗犷的笔法作到恰当的欣赏。后印象派更产生了塞尚、高更、凡高等著名大师，对后来毕加索、达利，以及现代绘画艺术产生了深远的影响。

西方绘画的发展是一部浩瀚的历史，要深入了解还需要时日，在这里，我们只是对西方绘画的发展脉络作一简单的回顾，希望能对你的欣赏起到一点辅助的作用。

其次，对作者本人有一个概要的了解。

作品可说是作者形象化的自传，是作者人生态度、审美价值的具体表现，即所谓的“画如其人”。拉斐尔是文艺复兴时期的三杰之一，他的父亲是宫廷画师，他从小出入宫廷，这一特殊的出身使他对形式美有高度的敏感，他的《雅典学院》几乎代表了他全部的人文主义思想，西方艺术史家认为正是拉斐尔使文艺复兴的艺术形式获得了最经典、最透彻、最完美的表现；大卫出生并成长在法国最动荡的年代，家庭的影响使他最早倾向于罗可可风格，并对政治表现出极端的狂热。他的《马拉之死》以及《拿破仑的加冕礼》等，无不表现着大卫的政治取向；而大家所熟知的凡?高，更是经历曲折，他的《星月夜》把画家内心的狂躁表现得淋漓尽致；还有些画家，将自己对妻儿、家庭的热爱融于笔端……如果没有对作者生平的了解，很难对作品作出正确的理解。

第三，对作品创作的背景有一个基本的了解。

我们发现，很多著名作品今天看来也许没有什么特殊之处；许多工匠对大师作品的临摹甚至超过大师的原作。但大师是大师，工匠是工匠，两者相差十万八千里。达芬奇之所以伟大，是因为在其之前所有画家的笔下人物都是动作僵硬、线条生硬，而只有达?芬奇将人物人性化，其作品柔和的氛围，即使后世画家也没能出其右；米勒和库尔贝都是写实主义的代表人物，他们都对农民进行了刻意的描绘，因为他们所处的时代正是法国大动荡的年代，他们对农民的刻画正是时代的要求。但即使这样，他们二人的农民题材的作品也大异其趣，这一点也是二人不同的性格和生长环境所决定的；印象派的作品，今天看来没有什么特殊之处，但在当时的时代，画坛被学院派经典派统治着，任何不符合“沙龙”要求的作品都被拒之门外，西方画坛死气沉沉，正是印象派的光和色给画坛吹来了一股清新空气，触动了人们思维的活跃，激发了后来多派纷呈的局面；修拉在绘画技法上的创新，也令他在现代绘画大师中占有一席之地……如果没有对作品创作背景的了解，无法深刻体会作品独有的精妙。

第四，多看是提高欣赏能力的一个关键过程。

在艺术中，美是第一位的，离开了美，世界的一切都将变得憔悴和枯萎。因此，无论怎样理解作品，首先还是要能看出它的美，而把握“美”在欣赏艺术时确实是个难题，但正因为“美”具有无限性和丰富性，艺术才会变得分外饱满和迷人。在提高自身艺术修养的同时，多看作品是一个提高欣赏能力的简单途径。有比较才能有优劣，看得多了自然会有一些自己的体会，正如美食家，大嘴吃八方，吃得多了也就成了美食家一样。

欣赏一幅画是一个看似简单的过程，欣赏者所具备的知识使油画本身成了高雅的艺术。而在艺术的殿堂中，美是首要，只要你从画中看出了美，产生了共鸣，你就欣赏了它。欣赏是仁者见仁，智者见智，不能统一规范，正是个体的差异，才有艺术的百舸争流，万花怒放。因此，尽情地去看，尽?睛地去欣赏吧，只要你发现了美。其实，这才是最重要的。

如果你是一个对油画一无所知的人，那么，下面的这些建议有助于你能够像模像样地看完一次油画展，并可从中得到一些快感。

色彩：写实的油画作品并非就是上乘之作。画得像不是油画的最高境界。最值得关注之处，是色彩与形体之间的协调关系。好的作品，应该由色彩填补画面背后的未尽之意，有巨大的烘托作用。

笔法：应该有一定的素描功底，才能画好油画，对象的体积感、质感、透视要明确到位。

作者：画作通常是反映作者在某种情况下的理念，即使最有名的油画家，因为当时状态不同，画风及笔法也会有很大的差别。名声不能决定一切。

标题：油画中的标题相对没有那么重要，通常很随意，甚至只为存档而起，有相当多的作品干脆用创作时间作为标题。

材质：主要分板上油画和布上油画。板上油画一般在文艺复兴之前，当时没有好的亚麻布。当代油画，均以亚麻布为主要材质。

近年，油画渐渐进入寻常百姓家。人们在装饰居所墙面时，常常会选用一些水彩画，中国画和油画。尤其是油画，更受人们青睐。

在我国，绘画市场大体分为三类：中国画，西洋画与民间绘画。中国画讲求气韵，意趣，笔墨，西洋画则不然。西洋画包括油画，木版，铜版，素描，水彩，水粉等画种。其中油画是表现力，实用性与装饰性最强的画种。

西洋油画被引进我国仅有三百多年，而广泛进入到人们的社会生活中，不过是上个世纪初叶的事。改革开放后，各种风格，流派的油画创作都有了一席之地。

油画创作就其题材划分，可分为主题画，风俗画，风景画，人物肖像画与静物画等。但不论何种题材，作品主要是依靠造型与色彩两大要素。也就是说，油画使用的是形，光，色这三大表现手段。

形，也就是形体。这就要求画家首先要具有造型能力，要有深厚的素描功底。没有很好的素描基础，要想画好油画，如同没有地基的高楼，是立不起来的。

光，也就是光效的表现。法国印象派兴起之后，引发了人们对光的研究与表现。画家对光的理解趋于了科学与理性。因而对光影的表现也就更加逼真生动。光与光影是烘托气氛的重要元素。这个道理只要看看戏剧舞台的灯光效果就不难理解了。

油画最重要的元素是色彩。色彩不同于调色板上的颜色。画家从来不会把调色板上的颜色，也就是工厂制造出来的颜料，原封不动地搬上画布的。这些颜色必须经画家精心地加以艺术化的调制，以求得色彩的柔和，逼真，色块与色块之间搭配的和谐统一。这就是人们通常所说的调子或色调。一幅油画的颜色不能是五颜六色的胡乱拼凑，也不能是纷繁庞杂，令人眼花缭乱的，而应该形成能体现出某种色彩倾向的，并且变化无端，微妙细腻的画面效果。

色调是油画的灵魂。没有调子，也就是说一幅油画如果没有形成一种基调，没有和谐统一且又富于变化的色块组合，那末，这幅油画可以说没有达到及格线。

除以上要求外，油画还讲究构图，笔触，节奏等等，这里就不细说了。

现代油画创作大致上分为两大类：抽象绘画和具象绘画。

所谓抽象油画，就是在画面的表现上抽掉了摹写自然物的形，代之以一种意念，意象的表现。这种绘画没有具体的自然界的形象，只有色块，线条，点面等等。读画者仅仅从这些色块的组合中引发联想与想象。如赵无极大师的作品就属于这一种。抽象绘画的艺术理论形形色色，但可用一句我国古人的话来概括，即'大象无形'。

通常，人们有一个误区，以为印象派，野兽派，未来派都叫抽象画。其实，这些艺术流派，不过是突破写实主义，古典主义的框架，并没有把形象抽取掉，至多只是把现实的形象加以现代化的表现，加以变形与夸张罢了。

当前，我国也出现了不少自诩为抽象派的画家，有些画家形成了一定风格，作品也有相当深度，但有些人可能缺乏素描基础，又没受过现实主义绘画的严格训练，误以为随便涂涂抹抹就是抽象画了。这样的作品含义不深，意趣不浓，既无装饰趣味，又没有刻意匠心，仅仅流于了形式。其实，它大大歪曲了抽象绘画的主旨。

在具象绘画中，除了全然写实的之外，有浓郁装饰趣味的，有变形的，或者介于抽象与具象之间的多种形式。

总之，如今是一个多元的时代，油画创作不论就内容或就表现形式来说，也是多种多样的。我们不能厚此薄彼，要让各种流派的作品在油画的百花园中，大放异彩。

以上谈的主要是指原创的油画作品。那种电脑绘画，临摹品，限量印刷的的印刷品或者那种粗制滥造，采用工厂方式'生产'出来的'行画'，就不在讨论的范畴了。其实专业画师临摹的油画名片还是比较好的，印刷品是不能和其相提并论的。

油画最早起源于欧洲，大约15世纪时由荷兰人发明的，用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。油画适合创作大型、史诗般的巨作。成为西方绘画史中的主体绘画方式，现在存世的西方绘画作品主要是油画作品。绝大部分壁画作品也是用油画颜料和创作方式制作的。19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，油漆等。

关键词：了解油画、了解作者、了解背景、审美

财运都写在你的脸上

古往今来，有一句话始终盛行，看人先看脸。老天对每个人都是公平的，不管是你是富是贫，是贤是愚，每张脸，都长着一个鼻子两个眼睛，不会多一个也不会少一个。

但不公平在于，脸与脸不同。有的脸五官搭配起来就顺眼，就大气，有的则透着不和谐，甚至猥琐。

大抵而言，一个人长什么样的脸，只关乎父母，不过，这张脸的气质如何，就是后天环境决定的了。

可以说，脸，是一个人的镜子。

一、

一个经验丰富，工笔细腻的画家，会将人物刻画的栩栩如生，扬长避短般的勾勒出人最完美的线条，加上丰富的色彩，画龙点睛般的让这幅人物肖像看起来更加精神抖擞、熠熠生辉。

每个人都是不可复制的个体，从私人订制的肖像画中却可以看到那个神采奕奕的自己，不失为一件妙趣横生值得高兴的事！

二、

中国古代的相术，对于相人有许多秘诀，这其中的要诀就是：看脸。

比如相术里说：七尺之躯不如一尺之头，一尺之头不如一寸之睛。大抵的意思是说眼睛能反映一个人的善恶，胸中正则眼眸明亮，胸中不正则眼眸昏沉。

这很有道理。一个人家教好，有学识，见识广，眼神自然更加明晰锐利，而一个足不出户的文盲，眼神自然呆滞昏沉些。

曾国藩是晚晴著名的以“识人”著称于当时的大师，他的相人术：邪正看眼鼻，聪明看嘴唇；功名看气宇，事业看精神。寿夭看指爪，风波看脚跟；若要问条理，全在语言中。

三、

时至今日，一个的脸，代表了他的财运、心境，一个乐观向上的人，你会看到他脸上的喜悦，一个终日一筹莫展的人，你会看到他脸上的苦闷与哀怨。

走在大街上，一张张脸，各有各的表情：有微笑，有焦虑，有愤懑，有迷茫，有傲慢。做人还是要心胸豁达，一个悲天悯人的人，是不会有好运气的。

生活再不易，竞争再激烈，我们都要用一颗从容不迫的心，淡定的去看待每一件事，世界很美好，你要常微笑。

一张纯朴的脸，一副澄净的眼眸，才是吸引人招人喜欢的根本所在。

愿你的脸上始终充满阳光，用最乐观的心态去生活，让世界看到你的热情。你可以是萌萌的，美美的，帅帅的，要记得你是元气girl或阳光boy！

这是一个看脸的时代，外在拼的是美貌，内在拼的是心灵，愿你拥有内外兼修的美丽，脸上始终充满自信、开朗、平和与自在，快来用一幅私人订制的肖像油画来记录你的最美时刻吧！

关键词：私人定制肖像画